Las dos B del cine español, con Buñuel sería la triple B , excelencia cierta aunque como señalaramos en Las mentiras sobre el cine español, Bardem, Berlanga y Buñuel nunca estuvieron solos.
Bardem
Bardem aparece en todas las historias convencionales del cine español como el héroe permanente de la lucha contra la censura. No fue asi exactamente aunque sin duda sufriera, como todos, sus embates.
Nadie duda del compromiso político de Bardem,
Juan Francisco Cerón Gómez lo explica de forma detallada pero antes recoge un comentario de excepcional interés : Cómicos fue recibida con alborozo hasta el punto de que fue clasificada de Interés Nacional, distinción que estaba reservada a las películas que sirvieran de vehículo a «muestras inequívocas de exaltación de valores raciales o enseñanzas de nuestros principios morales y políticos (del régimen) . Llegados a este punto, no está de más anotar que, según las investigaciones llevadas a cabo por la historiadora Rosa Añover, Bardem era considerado por aquel entonces como «afecto al Régimen»8, algo que no debía de ser ajeno a su propia ascendencia familiar (sus padres pasaron la guerra en la zona franquista, siendo en San Sebastián donde Bardem se reunió con ellos tras pasar a Francia desde Barcelona). Anotemos asimismo que el guión de Esa pareja feliz mereció, tras su estreno privado, un premio del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC), asociación que agrupaba a conspicuos representantes de la crítica oficial como Luis Gómez Mesa o Carlos Fernández Cuenca. Puede también citarse el caso de ¡Bienvenido Mister Marshall! (aunque aquí Bardem sólo participó en la escritura del guión) la cual fue definida por García Escudero como «cine europeo pasado por el 18 de julio»
Y termina aseverando :
La protección estatal otorgada a las películas de Bardem fue, básicamente, la misma a lo largo de todo el periodo estudiado: ninguna de sus películas fue clasificada por debajo de la primera categoría (ni siquiera Esa pareja feliz con la que se produjo su debut profesional). Cómicos, como ya hemos apuntado, recibió incluso la declaración de Interés Nacional y el resto obtuvo siempre la clasificación de 1º A . Esta situación contrasta con la de otros títulos de la llamada disidencia cinematográfica realizados durante aquella década: La vida alrededor , El cochecito o El inquilino fueron clasificadas como 1º B mientras que la opera prima de Carlos Saura, Los golfos , fue precipitada hasta la 2º A. También fueron varios los premios del Sindicato Nacional del Espectáculo que recayeron sobre la obra bardemiana: Cómicos (2º en 1954), Muerte de un ciclista (4º en 1955), Calle Mayor (4º en 1956) y La venganza (3º en 1958
El director de Pueblo, el famoso y punzante periodista y escritor Emilio Romero, escribió por su parte :
«Un hombre cuya fama se la debe a sus actividades cinematográficas en el país donde trabaja, difícilmente podría probar que el ambiente era asfixiante, ya que si realmente lo fuera no hubiera podido hacer todas esas cosas por las cuales se lo conoce como director famoso y además con inclinaciones de tibieza respecto al Régimen político español. Por si esto no fuera poco, el señor Bardem no ha encontrado ninguna dificultad para dirigir en el mundo sindical el grupo correspondiente al que pertenece como director y acudir a este festival del Mar del Plata que origina todo este asunto y nada menos que como miembro de la comisión oficial española, que presidía el propio director general de Cinematografía y Teatro (…)
Hay, en verdad, una cosa que realmente no pueden hacer las autoridades españolas en favor del señor Bardem -y es lo único que falta- como es que en los festivales extranjeros premien sus películas. Todo lo demás, el señor Bardem ha podido alcanzarlo en España»
Esta situación era aceptada por el PCE que jugaba la carta del posibilismo, sobre todo a raíz de la elaboración de la ya llamada política de reconciliación nacional. La «reconciliación nacional» era el eslogan y objetivo político propuesto por el Partido Comunista de España en junio de 1956, al acercarse la conmemoración de los veinte años del inicio de la Guerra Civil Española . Todo lo contrario, por cierto a sus penosos herederos en el siglo XXI.
La estrategia de trabajar en los aledaños del régimen intentando forzar sus contradicciones internas es similar a la que años más tarde Comisiones Obreras en los sindicatos verticales . Bardem presidio el sindicato de directores en 1960 y nunca aceptó las ofertas que tuvo para dirigir cine fuera de España.
Esa pareja feliz 1951 , con Fernan Gómez y Elvira Quintilla, es la película icono que recogen casi todas las historias del cine . Bardem recordaba ; “ Originariamente Esa pareja feliz era una historia dramático-sentimental con una visión mas triste y un tanto desesperanzada del mundo que quería retratar, Tuvo desde el comienzo cuatro modelos explícitamente declarados : Antoine et Antoinette de Jacques Becker, Soledad de Paul Fejos, From this day onward, de John Berry y Navidades en Julio , de Preston Sturges. Claro que Berlanga añade otra inspiración propia : Frank Capra , que se percibe en el nucleo de su argumento : Juan y Carmen son un humilde matrimonio madrileño. Ella se ocupa de las labores domésticas y él trabaja como electricista en unos estudios de cine. Sus sueños de bienestar se hacen realidad cuando ganan un concurso patrocinado por una marca de jabón.
Oscar Pereira y Lola Lorenzo. University of Nebraska-Lincoln
https://digitalcommons.unl.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=1026&context=modlangspanish escribieron en su conclusión sobre el análisis de la película :
En definitiva, la toma de conciencia de los protagonistas consiste básicamente, como ya se ha sugerido, en un dar la espalda a los cantos de sirena de una sociedad capitalista que asalta sin descanso a los sufridos humanos con promesas de felicidad que, analizadas con distancia, no son más que una evasión destinada a ocultar una realidad dura. Y es aquí cuando entrevemos una última referencia al mundo del cine. Como se apuntó más arriba, el neorrealismo es justamente el modelo cinematográfico que en esos momentos se propuso como meta mostrar las condiciones reales de vida en la Europa de posguerra
Curiosa síntesis para una película apoyada completamente por la Administración Pública del régimen .
Comicos (1953) con Fernando Rey, Emma Penella, Carlos Casaravilla, Mariano Asquerino, Rosario García Ortega es un retrato pesimista ,pero sincero y personal del mundo del teatro de pueblo. Bardem era hijo de grandes intérpretes del teatro que van recorriendo aldeas y ciudades para llevas sus modestas e ilusionadas representaciones. La película posee esa sinceridad , ese nervio autentico de comico que ha pateado pueblos, escenarios, éxitos fracasos. Un monologo emotivo de la obra lo resume a la perfeccion :
Y los cómicos. Han cogido el tren a las tres y media, después de la función de la noche. Llegarán a las cinco de la tarde: se debuta a las seis treinta… Abrirán los baúles: hay que planchar la ropa. Pasado mañana los volverán a cerrar y cogerán otro tren… porque hay que ir a Valencia dos días… Y a Logroño, tres… Y a Badajoz y a Lugo… Una semana en Zaragoza. En Barcelona, un mes. Y Madrid, cuatro meses. Toda la compañía duerme o intenta dormir. Los jefes no van con ellos, viajan por carretera, tienen coche… Hay que dormir… ¡Estos viajes! No se puede perder un minuto de trabajo. No se puede perder el sueldo de un día. Cuando se viaja no se cobra.»
Muerte de un ciclista 1955 es un análisis muy crudo de la burguesía española : una pareja de amantes atropella y mata a un ciclista tras uno de sus encuentros amorosos; cuando la pareja vuelve a su posición habitual incluyendon el entorno familiar tratará de borrar el crimen . Alberto Closas, Lucia Bose y Carlos Casaravilla compusieron el espléndido trio de protagonistas, este ultimo en el personaje conciencia típico de muchas obras de Bardem. Supuso además la primera aparición de la actriz italiana en el cine español , que además conocio durante su estancia en España al torero Luis Miguel Dominguín, con el que se casaría . Bellísima Lucia Bose.
Muerte de un ciclista conserva muchos puntos duros y de fuerte realismo y no se priva, incluso, de una breve secuencia en la que se produce una revuelta estudiantil en la Universidad.
Ceron Gómez en un interesante artículo señalo :
La lectura sociopolítica del guión, que prácticamente pasó desapercibida para la censura española, fue advertida con claridad por las autoridades italianas. De este modo, se produjo la paradoja que da título a esta ponencia. Si uno de los objetivos de estas coproducciones con países democráticos era buscar una ampliación de los límites expresivos3, en el caso de Muerte de un ciclista ocurrió todo lo contrario. Mientras que la censura española prácticamente sólo opuso reparos morales al guión, el gobierno italiano señaló una serie de cortes que relacionaban la narración con la Guerra Civil y sus implicaciones sociales. Estas recomendaciones fueron plenamente asumidas por la administración española de tal modo que la intervención foránea supuso una limitación del ámbito de lo decible. http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/las-paradojas-de-la-censura-muerte-de-un-ciclista-1955-de-juan-antonio-bardem–0/html/ff90dd22-82b1-11df-acc7-002185ce6064_5.html
El proyecto que se presentó inicialmente para la obtención del permiso de rodaje el 19 de octubre de 1954 figura como una producción enteramente española (de Guión P. C. con participación de Suevia Films, mediante la fórmula de un anticipo sobre la distribución). Tenía como protagonista a la actriz mexicana Gloria Marín, el resto del reparto era completamente nacional y se declaraba un presupuesto de 5.803.808 pesetas . Bardem quería como actriz principal a Lucía Bosé a la que conoció en el Festival de Venecia de 1954, donde fue proyectada Felices pascuas gracias a la invitación del Circolo Romano del Cinema, que presidía Zavattini,
Calle Mayor 1956 es aún mejor ; inspirada en La señorita de Trevelez de Carlos Arniches cuenta la broma cruel de un puñado de juerguistas ociosos a una muchacha timida y solitaria ( maravillosa Betsy Blair ); uno de aquellos (Jose Suarez ) la conquistara y la hara concebir hermosas esperanzas de amor para luego abandonarla cruelmente.
La señorita de Trevélez obra de teatro en tres actos, escrita por Carlos Arniches y estrenada en el Teatro Lara de Madrid el 14 de diciembre de 1916 : Ambientada en una capital de provincias española a principios del siglo XX, la obra presenta las aventuras nocturnas y las fechorías de tres amigos: Tito, Numeriano y Pablito Picabea. A raíz de una broma de mal gusto, Florita Trevélez, una mujer madura y poco atractiva, creerá que Numeriano y Picabea la desean, cuando en realidad no es así, por lo que la situación se desmadra y deben confesar sus mentiras
La señorita de Trévelez 1936 fue dirigida en su primera vesion por Edgar Neville y protagonizada por Edmundo Barbero, Antoñita Colomé y Fernando Freyre
-«Hay más cosas en el cielo y en la tierra… Por ejemplo esta ciudad ¿La conoce? Es mi ciudad, una hermosa y entrañable ciudad de provincia. Hay tres cosas que son el diapasón de esta ciudad: Las campanas de la catedral, los seminaristas de la alameda en el crepúsculo de tres en tres y el paseo por la Calle Mayor.
Betsy Blair estaba casada en aquellos años con Gene Kelly, era una mujer de izquierdas y estaba siendo investigada por el Comité de Acitividades Antiamericanas ( que no por el senador McCarthy que jamás investigó a nadie del cine ) . Cuando estuvo en España en 2008 en los mismos lugares donde rodo la película se desató su pensamiento :
No quería rodar en la España de Franco, pero Juan Antonio habló conmigo y me dijo Betsy, cómo me puede decir eso. Yo sabía lo que él representaba como director y políticamente. El era un luchador contra el fascismo. Yo era muy joven y solo conocía lo que era éste de una manera teórica, así que me convenció«,
Ya contó Emilio Romero la muy premiada lucha del cineasta , película tras película y en España .
El sexo y la muerte social en Calle Mayor Will Derusha University of North Carolina-Greensboro https://gato-docs.its.txstate.edu/jcr:6b1e639b-a7ec-4dbd-b498-ab7f8cc2d1c9/derusha.pdf . En este articulo su autora se empeña también en no querer observar la realidad :
A primera vista, es una situación bastante irónica si no absurda. En 1956 una actriz americana, que no puede trabajar en Hollywood por sus tendencias comunistas, es invitada a la España anticomunista del dictador Francisco Franco para intervenir en una película cuyo director es miembro clandestino del Partido Comunista Español desde los años cuarenta). En medio del rodaje el director es detenido por sus tendencias comunistas, y la actriz se recluye en un hotel madrileño—bajo vigilancia de varias agencias americanas y españolas—resistiendo la presión de trabajar con otro director políticamente más aceptable . Después de dos semanas, y sin explicación alguna,se le deja en libertad al director, que termina la película, la cual cruza las fronteras francesas de contrabando y gana el Premio de la Crítica Internacional en el festival de Venecia
Lo que no impide a la pintoresca profesora desbarrar : La censura franquista no se limita al cine, desde luego, sino que intenta englobar cualquier faceta de la sociedad española para “despersonalizar a la población y convertirla en una masa uniforme, compacta, produciendo en ella una parálisis política, social, cultural, etc… o sea que el pueblo se encuentra ante tal actitud en la obligación de pensar lo que el Gobierno le impone
La película vuelve a pintar el asfixiante clima provinciano, un mundo mediocre, hipócrita y vacio; en medio de tanta vulgaridad el personaje de Betsy Blair es un rayo de dulzura y autenticidad; su fracaso y su humillación adquieren caracteres de auténtica tragedia. Calle Mayor permanece como una de las más hermosas y sentidas películas del cine español de cualquier época. La imagen de la pareja paseando como novios por la calle mayor con la felicidad en el rostro de ella y la incomodida en el rostro de él, la alegría de la mujer cuando se ha creído las falsas promesas, sus ojos cuando la ilusión se desmorona. Emocion cinematográfica en estado puro.
La venganza 1957 o Sonatas 1959, adaptación de Valle Inclan no estuvieron a su altura, aunque los actores brillasen al máximo : Jorge Mistral , Carmen Sevilla y Raf Vallone en la primera de ambiguas lecturas políticas , y Paco Rabal y la fabulosa María Felix en la segunda que además adaptaba la obra de Valle Inclan Interesante auque en exceso solemne fue A las cinco de la tarde. 1960 film taurino con Rabal . Basada en «La cornada» de Alfonso Sastre recrea el ambiente taurino a su hora habitual: las cinco de la tarde de un domingo cualquiera. Julia Gutiérrez Caba logró con su gran interpretación el premio Sant Jordi a la Mejor Actriz Española.
Nunca pasa nada 1963
La obra maestra tal vez de Juan Antonio Bardem con Corinne Marchand, Antonio Casas, Jean-Pierre Cassel, Julia Gutiérrez Caba,
La historia tiene lugar en un pueblo español, donde, durante un viaje, una bella francesa (Corinne Marchand), vedette de una compañía de revista que ha sufrido un ataque de apendicitis, recala por casualidad para ser operada. Pero el doctor que la atiende (Antonio Casas) se enamora de ella y trata de prolongar su convalecencia el mayor tiempo posible. Todo el pueblo se revoluciona con la presencia de la mujer , sobre todo la la esposa abnegada y sumisa (Julia Gutiérrez Caba) y un sensible y soñador profesor de francés (Jean-Pierre Cassel).
Coproducida con Francia y sobre un guión escrito por el dramaturgo Alfonso Sastre junto a Bardem, se trata de una nueva incursión en la vida provinciana como Calle Mayor. Si bien en este caso y aunque las lenguas afiladas, le concedieran el sobrenombre de Calle menor, es una incursión más representativa y desesperanzada .
Se atreve Bardem a contar dramas personales hondos como la infidelidad consentida, la separación matrimonial, el machismo interiorizaso o la ignorancia de un pueblo cerrado en si mismo y que recela de cualquier novedad . Todo ello con una maravillosa música de Georges Delerue y unos actores extraordinarios sobre todo Irene Gutierrez Caba y Antonio Casas , absolutamente extraordinarios .
Bardem fima con cariño dibujando un discurso íntimo que rasga el corazón con escenas simples, miradas, palabras ahogadas en el alma de los personajes . La realidad atrapa a la persona como si fuera una trampa de la que no se puede escapar .
La pasión del protagonista que le arrastra a la traición y el ridículo, la mediocridad de la vida de provincias sacudida por la bella francesa que levanta admiraciones con su sensualidad, su figura , el reproche tremendo de la esposa, magnífica Julia Gutierrez Caba es uno de los instantes mas impresionantes del cine español, como lo es el desenlace, la soledad, la normalidad . El nunca pasa nada que seguirá marcando la vida de la ciudad . Es cierto – como anota Juilian Marías – que el aislamiento del doctor ( un medico de buena posición, con vehiculo, en la España de 1965 y con la carretera nacional al lado ) esta un poco forzado, pero no ensombrece la calidad excelsa de la película.
Nunca pasa nada fue presentada para representar oficialmente al cine español en la Mostra de Venecia de 1963. Una película realmente inolvidable.
BERLANGA
Procedente de una familia de la burguesía valenciana, Luis García Berlanga ( 1921-2010 ) estudió filosofía en la Universidad de Valencia, y en su primera juventud fue voluntario de la División Azul Se matricula en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, en 1947 . El volumen editado por Catedra sobre Berlanga ( 1997 ) y escrito por Francisco Perales es una buena guía para seguir la carrera del genio valenciano . Y mejor aun las propias memorias del cineasta seleccionadas por Gomez Rufo. Su padre había sido del parrido Radical de Lerroux, pero en 1936 pertenecia y era diputado de Union Republicana el partido de Martinez Barrios . Estaba integrado en el Frente Popular pero cayo en desgracia ante varias facciones de ultraizquierda ( palabras textuales de Berlanga )y tuvo que huir de Valencia para no ser fusilado. Detenido después por los nacionales, fue condenado a muerte, conmutada a cadena perpetua y finalmente liberado en 1952.
En Esa pareja feliz se revelaban ya diversas influencias que marcaron, sobre todo, la primera etapa de su carrera: el neorrealismo italiano, el sainete de Carlos Arniches o el cine de Frank Capra y René Clair. Ya nos hemos referido a ella al hablar de Bardem. La historia se divide en dos partes muy diferenciadas, una primera, más sentimental, en la que se narra la vida de Carmen y Juan, y una segunda, más satírica, en la que se desarrolla el concurso . La primera parte tiene un tono sainetero, con escenas cinéfilas desde la satira de las películas históricas de Juan de Orduña ( Lola Gaos imitando con gracia a Aurora Bautista ) hasta el homenaje al primer Tu y yo de Leo McCarey ( la versión de 1939 que la pareja ve en un cine . El rompe las ilusión de la chica cuando le explica que los protagonistas no están en una crucero, sino que son transparencias rodadas en estudio ). La segunda cuenta con una estructura de comedia screwball, (Haweks, McCarey, La Cava ) . El desenlace se inspira el estilo de Cesare Zavattini, prestigioso guionista y poeta , uno de los creadores intelectuales del Neorrealismo Italiano: la emociónante escena el reparto de regalos entre los mendigos .
Junto a Bardem y Miguel Mihura escribió el guión de su segunda obra ¡Bienvenido, Mr. Marshall! (1953), una sátira del Plan Marshall, el plan de ayuda de EE.UU. a Europa después de la Segunda Guerra Mundial, al mismo tiempo que una radiografía satirica pero cariñosa de la España rural. En ella están ya presentes las características más habituales de su estilo , el casticismo y la modernidad , las visión acerada – pero a la vez entrañable – de muchas costumbres . Cine popular en el más puro sentido del término. Jose Isbert, Manolo Moran ( geniales los dos ) la cantante folklorica Lolita Sevilla, Alberto Romea, Elvira Quintilla . Lolita Sevilla (1925-2013 ) se hizo muy popular aunque su recuerdo ha quedado e vinculado al personaje y sobre todo a su interpretación del tema musical : «Americanos “. “ La Chica del Barrio (1956) sería su primera película como protagonista junto a Pepe Blanco, seguida de Tremolina (1957) con a Angelillo. Las dos dirigidas por Ricardo Nuñez.
Eduardo Rodríguez Merchán y Luis del Tell Escolar son autores de ¡Bienvenido, Mister Marshall! Sesenta años de historias y leyendas (T&B Editores, 2013), notable revisión de la película y sus anécdotas.
Una vez revisado el guión por la censura, se incorporó al proyecto el dramaturgo Miguel Mihura, que pulió los diálogos para hacerlos más divertidos y ágiles . El discurso del alcalde Isbert en el balcón del Ayuntamiento, con la frase “Como alcalde vuestro que soy, os debo una explicación, y esa explicación que os debo, os la voy a pagar…” repetida hasta la genialidad es suya.
Merchan y Del Tell anotan : Según consta en el expediente remitido por la productora el 27 de enero de 1953, el presupuesto total de la película fue de 4.954.982 pesetas. No parece una cifra muy escandalosa, al menos hasta que se compara con el coste medio, cercano a las 2.500.000 pesetas, de las películas españolas estrenadas entre 1953 y 1955. En la campaña publicitaria tampoco se escatimaron medios, como se puede comprobar revisando los rotativos de Madrid y Barcelona en cualquier día de las dos semanas previas al estreno.
El rodaje tuvo lugar en buena parte en Guadalix de la Sierra, municipio de Madrid , No hubo problemas con la censura ya que la única escena del guion conflictiva no se llegó a rodar : los sueños de la maestra del pueblo ante el anuncio de la llegada de los americanos. La maestra tenía sueños eróticos, pensaba en los americanos vestidos con el equipaje de rugby, y se excitaba .
La película combina la sátira con el cariño , las peticiones de los habitantes del pueblo a ese plan Marshall mágico son como cartas a los Reyes Magos que revelan el buen corazón de las gentes . Al final la comitiva no se detiene y el sueño se desvanece . En un atrevido plano la bandera norteamericana de uno de los coches cae al suelo y se hunde en el agua de un charco. Es la imagen que ofendio tanto al gran Edward G. Robinson en su exhibición en el Festival de Cannes de 1953 . El actor protestó, ante el delegado general del Festival, Robert Favre Le Bret, que solicitó a los productores españoles que retiraran esos ocho segundos tan conflictivos , como asi se hizo para la distribución internacional. El espaldarazo del Festival de Cannes, que le dio el premio a la mejor comedia y una mención especial al guión fue finalmente sobresaliente.
Una frase genial del alcalde Isbert : «Yo os aseguro que para pagar esto ni un céntimo ha salido de las arcas públicas, porque como todos sabéis en las arcas jamás ha habido un céntimo».
Una película justamente mítica, una de las grandes del cine español.
La crítica ha dividido la filmografía de Berlanga durante el régimen de Franco en dos etapas muy diferenciadas: la “Etapa Ternurista”, llamada así por el tratamiento benévolo y tierno de sus personajes y la “Etapa Negra”, que empieza después de la intervención del Opus Dei en su película “Los Jueves Milagro” en 1957 y acaba con la muerte de Franco en 1975.
En esta primera etapa, Berlanga rueda películas que narran historias tiernas y entrañables .Novio a la vista, comedia encantadora de 1953 protagonizada por Josette Arno, Jose Maria Rodero, Antonio Vico es una producción de Benito Perojo sobre un argumento de Edgar Neville. La protagonista estuvo a punto de ser una joven promesa francesa, pero un retraso en los compromisos de la mujer impaciento a Perojo que no quiso esperar los diez días que hubiera necesitado para incoporarse al rodaje . La joven actriz era Brigitte Bardot. La película fracasó comercialmente para decepcion del productor que esperaba repetir el éxito de Bienvenido mr Marshall .
Calabuch 1956 con Edmund Gwen , Franco Fabrizi, Juan Calvo , Valentina Cortese, Jose Luis Ozores, Pepe Isbert, es una coproducción con reparto internacional rodada en Peñíscola .Resulto un gran éxito comercial, además de su buena acogida en el Festival de Venecia y el premio allí obtenido de la OCIC ( oficina católica internacional del cine ). En plena Guerra Fría, el profesor Hamilton, un sabio ingenuo que creía en las bondades de la energía nuclear, al darse cuenta de su error, huye y se lleva consigo todos sus secretos. Encuentra refugio en Calabuch, un pueblo mediterráneo que a él le parece maravilloso porque la gente se limita a vivir y conserva el sentido del humor y de la amistad.
Una película entrañable y deliciosa .
El reconocimiento de la Oficina católica puso a Berlanga en la oportunidad de rodar Los jueves milagro, 1957. El reparto está encabezado por Richard Basehart , Paolo Stoppa ,José Isbert y Alberto Romea
Para promocionar el balneario de Fontecilla, las fuerzas vivas del pueblo deciden inventarse un milagro, representando la aparición de San Dimas a un alma inocente de la localidad. Los problemas surgen cuando José, que ha representado al santo, se cansa del papel. Al poco tiempo aparece en el pueblo un personaje misterioso que parece estar al corriente de todas las maquinaciones urdidas por farsantes.
Los autores de invento ganan dinero con la venta de todo tipo de medallas, velas, imágenes, hasta que alguien (San Dimas , ¿ un impostor ¿ ) aparece, averguenza a los farsantes y muestra una ficha policial . La productora- ligada al Opus Dei – exigió cambiar el final . Berlanga se negó y la empresa encargó a un joven Jorge Grau que rodase los cambios. Ademas se llamo a un sacerdote censor, el padre Garau para asesorar sobre el fondo religioso, Según Berlanga escribió doscientas páginas y el director pidió que se le acreditara como guionista, incluso le pidió al abogado Vizcaino Casas que se ocupara de esa gestión.
Sea como fuere no fue un éxito, no gustó a las autoridades eclesiásticas y encima la crítica autodenominada progresista la ataco por su carácter católico . En eso coincidiría con Garcia Escudero que llegaría a proclamar que Los jueves milagro era la primera película auténticamente religiosa de España . Observacion pintoresca si recordamos La señora de Fatima, El Judas o Marcelino Pan y vino
Al final Berlanga, genial y cachazudo diría : “Tal y como quedó no la entendí ni yo mismo “.
LA ÉPOCA NEGRA
Este periodo de la obra de Berlanga comprende todas las películas realizadas desde 1959, año de su primera colaboración con el guionista Rafael Azcona hasta la muerte de Franco en 1975. Azcona es la persona más importante en la vida profesional de Berlanga y además uno de sus grandes amigos .
Placido será la primera genialidad de su trabajo conjunto .
“Pues porque yo veo en Valencia una campaña de Navidad en favor de la caridad organizada una entidad institucional, recuerdo que la idea de la película surge cuando reflexioné sobre el título de la campaña, que era “Siente un pobre a su mesa”. Cuando yo veía los coches por las calles de Valencia anuncindo con altavoces la campaña, ya me sentía en un rodaje. Era muy espectacular. En la radio lanzaban cuñas que decían algo así como: “toda familia pudiente y cristiana debe acercarse, en esta noche de Dios, a los pobrecitos que pasan hambre y tienen frío”. Aquella situación me pareció tan potente que desde el principio estuve convencido de que en sí misma ya componía el marco perfecto para un guión con posibilidades. (…) Lo que yo vi aquella noche en Valencia ya era una película, eran escenas explosivamente cinematográficas”
La película cuenta como un grupo de mujeres ricas y ociosas de una pequeña ciudad anónima de provincias idean una campaña benéfica navideña cuyo lema es, tal como lo vio Berlanga en Valencia, “Siente un pobre a su mesa”
Placido fue la primea produccion de JET FILMS , sello fundado en 1960 por Alfredo Matas. EL rodaje comenzó el 27 de febrero de 1961 con el título provisional de Los bienaventurados en Manresa. Los exteriores fueron en Barcelona .Como curiosidad se debe anotar que Berlanga rodo la película muda , sin utilizar sonido de referencia . Posteriormente se haría el doblaje que llevo tres semanas y media.
Plácido (1961), desenmasca las prácticas de caridad organizada, se revela como una de sus películas clave en cuanto se convierte en síntesis ejemplar de los rasgos que distinguen su cine: el sentido tragicómico de la existencia, la imposibilidad de ser feliz en un entorno mezquino, una profunda desconfianza hacia el poder . “Placido” es una película coral, con multitud de personajes y un ritmo endiablado , humor español, el de la picaresca española desde Quevedo a Buñuel, pasando por Goya y Solana . El propio Berlanga lo definio asi : humor español, el de la picaresca española. Desde Quevedo a Buñuel, pasando por Goya y Solana, todo señor que haya intentado diseccionar a los españoles, es decir, diseccionarse a sí mismo, ha tenido que recurrir por fuerza a esto que llaman humor negro»
Magnífico reparto con Cassen, José Luis López Vázquez, Elvira Quintilla, Amelia de la Torre, Julia Caba Alba , Antonio Ferrandis . Toda una exhibición de comicos en estado de gracia. Sobre todo Lopez Vazquez en el personaje de Quintanilla y Cassen- con su motocarro – en el papel de su vida. La escena de la retransmisión de la cena de Nochebuena con el pobre y la artista es un momento antológico como lo es el macabro traslado del pobre muerto puro humor negro en su mas alta expresión. Y como colofón una voz en off al final en tono de villancico :
Madre a la puerta hay un niño
Tiritando esta de frio
Anda y dile que entre, se calentara
Porque en esta tierra ya no hay caridad
Ni nunca la habido
Ni nunca la habrá
De nuevo la critica convencional se desencaja ante la realidad de la película ; asi D Vericat (CinemaEsencial ) llega a escribir : si de milagro cabe calificar la mera existencia de una película como Plácido (teniendo en cuenta la situación política del país), no menos milagroso es el espléndido reparto . Demasiados milagros tal vez. El segundo es evidente, el primero ya agota la inteligencia .
Berlanga con una prodigiosa puesta en escena va a poner en solfa, personajes, costumbres, sociedad con un nivel máximo de corrosión solo mitigada por la mirada a veces comprensiva del cineasta. Un cortometraje recordaría en 2005 el rodaje de la película en Manresa : https://festivalcinemadrid.es/project/la-ciutat-de-placido/
