Marcelo Arroita-Jaúregui publicaba en la revista universitaria Alcalá (febrero de 1952) artículo titulado Los caminos del cine nacional Arroita admite la posibilidad de un cine español que sea algo más que un cine realizado en España, o un cine hablado en idioma español. El «auténtico cine español» sería, no ya un cine de «temas españoles», cuanto que un cine de temas universales, sólo que tratados «a la española», hispánico modo. Lo que Arroita reprocha, en su artículo, es que este cine español, en 1952, aún estaba por llegar. La aspiración de la idea falangista hubiera sido precisamente ese tema universal que fuera capaz de aunar a la vez Alba de America y Surcos, por referir las dos películas más relevantes y polémicas de 1951.
En El cine español en la era de Franco (SND editores .2022 ) me ocupé ampliamente de las Conversaciones de Salamanca, su mitificación y el debate ideológico que las motivó . Y como fondo un SEU – sindicato falangista de universitarios – que se veía sobrepasado completamente por la oposición sin ser capaz de articular una solida alternativa ideológica
El llamamiento como recoge Ignacio Francia era una iniciativa de las células comunistas de la Universidad; maquillaron el texto final para suavizar el vocabulario y tratando de lograr una mayor eficacia política. En enero de 1955 Martin Patino y su cineclub lo encontraron perfecto, Para reducir su “ tufillo izquierdoso “ recalcaron que la idea procedia de Salamanca y colocaron en primer lugar los nombres del director y el secretario, además de pedir la inclusión entre los firmantes de Arroita Jauregui,( 1922-1992 ) falangista. Perez Lozano quedo encantado, pidió añadir su firma y lo difundió en la revista SIGNO.
Pero cuando el SEU vio entre los firmantes a Muñoz Suay, muy marcado ideológicamente, puso el grito en el cielo, lo que coincidió además con la dudas que comenzo a vislumbrar Arroita Jauregui. En un alarde de diplomacia Patino logró aplacar a todos y las Jornadas se celebraron. El diario La gaceta regional acogio calurosamente a los participantes añadiendo que las Conversaciones son obra de “ nuestro cine club, de estos entusiastas muchachos del SEU que siguen siendo gracia y levadura de la Falange “.
Para comprender el escenario de las Conversaciones hay que analizar la importancia creciente de los cine- clubs en las aulas universitarias, la afición al cine, las polémicas, los debates: había una vida cinéfila de extraordinaria riqueza hoy desparecida. El SEU tenía sus cine- club, el OPUS DEI los suyos, y no eran los únicos.
Taravillo en su novela sobre José Antonio, El Ausente , hace aparecer en escena a un personaje singular , Antonio Soriano ( 1883-1973 ) , aventurero, mujeriego uno de los más eficaces promotores y relaciones públicas de la industria turística de Marbella en la década de los 50. De su mano recalaron artistas de la talla de Mingote, Edgar Neville o Antonio El Bailarín, además de su sobrino, Alfonso de Hohenlohe, el gran impulsor de Marbella Fue por si fuera poco amigo de Chaplin . ( Ana María Mata cuenta sus andanzas en Un hombre para una ciudad: Ricardo Soriano (2005) . Su fama de conquistador ha regalado pinceladas icónicas al cine: su colección de pelos de pubis femeninos llegó a inspirar a Berlanga, en La escopeta Nacional. No es la única relación de Soriano con el séptimo arte, a él se le debe el primer cine sonoro que tuvo Marbella y la financiación de El perro andaluz, de Buñuel.
Soriano , que llegó a conocer a José Antonio decía : «El comunismo, siempre fue nuestro gran enemigo. […] Franco era, pues, el salvador de las costumbres en las que yo me había educado, el hombre que nos defendería del monstruo del comunismo.»
No en vano y en una de sus múltiples aventuras fue detenido en San Sebastián el 25 de marzo de 1936 en relación al atentado cometido el doce de ese mes por falangistas – sin permiso de José Antonio – contra Luis Jiménez de Asúa, uno de los penalistas más destacados del siglo XX, diputado del PSOE y vicepresidente del Congreso. Según los periódicos se le acusaba de prestar su avioneta para que algunos de los implicados en el ataque escaparan a Francia. Soriano fue puesto en libertad el día 27 de marzo. Por fortuna Jiménez de Asua salió ileso si bien su escolta murió al ser alcanzado por una bala .
Ricardo Soriano y, Manuel Augusto García Viñolas, les vimos en la creación del CIRCE. Sin embargo en sus recuerdos no dedica ni una sola línea a CIRCE , en parte por sus discrepancias con Arias Salgado, mucho más pacato que Viñolas . Soriano se quejaba de ese odio al cuerpo que parecían tener los censores«. El descubrimiento de Marbella y su actividad de promotor turístico se convirtieron en su trayectoria vital más importante. Su última incursión en cine fue en 1943 la película El camino del amor; dirigida por José María Castellví, con Manuel Arbó, José Calle, Rosalía Campomanes .
Para nuestra desgracia – declaró – el cine es un arte excesivamente costoso, y llegado un momento tuve que hacer frente a deudas por su causa, motivo por el cual hube de aband arlo y buscar, como era ya una costumbre, un nuevo camino .
El universo falangista apenas se rastrea en un puñado de películas . Veamos algunas de ellas.
Regreso a la Patria es el título del reportaje que NO-DO editó con motivo del regreso de los últimos prisioneros de la División Azul. Los repatriados llegaron al puerto de Barcelona el 2 de abril de 1954 en el barco liberiano Semíramis, fletado por la Cruz Roja Francesa, y que había partido semanas antes del puerto de Odessa.
Muchas de las imágenes, comentadas por el locutor Ignacio Marco Martín y obra de los fotógrafos Francisco Perelló Serra, Blas Martín García y José Planas Vilallonga, junto con el técnico de sonido Juan Justo Ruiz, fueron incluidas con posterioridad en algunas de las películas comerciales sobre la División Azul : Embajadores en el infierno (1956, de José María Forqué), La espera (1956, de Vicente Lluch) y Cartas a una mujer (1961, de Miguel Iglesias).
LA ESPERA, 1956 de Vicente Lluch
Rosario García Ortega, Rafael Arcos, Monica Pastrana, Rafael Romero Marchent , Jose María Lado, Luis Varela y la colaboración especial de Alfredo Mayo , protagonizan esta película de un debutante Vicente Lluch ( 1913-1995
Lluch era hijo de familia republicana, no tuvo relación alguna con Falange y fue ayudante de dirección de Carlos Arevalo. El certificado 1970 y Laia 1972 ambas con Nuria Espert fueron lo mejor de su escasa obra cinematográfica completada con varios guiones ( entre ellos El aprendiz de clown ).
Cuatro jóvenes se alistan en la División Azul , tres de ellos regresan pero al cuarto se le da por muerto hasta que se descubre que está en un campo de concentración soviético . El argumento hace recordar a la posterior Los Girasoles (1970) película italiana de Vittorio de Sica, protagonizada por Sophia Loren y Marcello Mastroianni,
La División Azul es un escenario de fondo un tanto desdibujado en la historia cuyo mayor interés es el retrato de los personajes femeninos .En cualquier caso es una obra menos que discreta en el panorama histórico del cine español.
Cartas a una mujer 1963 de Miguel Iglesias
Una película dirigida por Miguel Iglesias con Emma Penella, Luis Prendes, José Guardiola, Rafael Durán, José Moreno y Luis Induni.
Flora y Carlos es un matrimonio de pura conveniencia. Cuando Carlos comprende que ella no lo quiere, se alista en la División Azul y poco después desaparece en Rusia. Flora vive con un famoso director de orquesta (Prendes ) , aunque no se han casado porque la muerte de Carlos no es oficial. Pero, un día, un misterioso personaje (Guardiola ) le envía una carta que le anuncia el regreso de su marido.
Un argumento con trazos de suspense y melodrama que cuenta con unas extraordinarias interpretaciones de los grandes Emma Penella y Luis Prendes. Su origen es teatral : El mensaje , un drama de Jaime Salom que Miguel Iglesias había dirigido en escena en 1951 .
Miguel Iglesias hizo casi siempre cine de genero ( incluso soft-core al final de su carrera ) de presupuestos modestos ; en su obra hay detalles interesantes : Ley del mar 1950 , El fugitivo de Amberes 1955 , la muy notable película de cine negro , El cerco 1955 o La maldición de la bestia 1975 con el mítico Paul Naschy en su serie del hombre lobo, Waldemar Daninsky.
El núcleo de la historia gira en torno divisionario que puede regresar de entre los muertos para amenazar la nueva pareja constituida y entre ellos el mensajero, un disidente comunista que conoció al marido en el campo de concentración.
Casi nada que ver con cine falangista pero interesante.
Otros títulos anticomunistas :
Coincidiendo con la guerra fría entre USA y URSS desatada a partir de 1950 el cine español cultiva una interesante colección de películas anticomunistas, algunas con el fondo de la guerra civil y otras muchas con temática internacional ( las dictaduras comunistas en el Eje ). Sintomático de la ausencia de una huella falangista en la cultura de la época es que en ninguna de las que vamos a relacionar se menciona o aparece temática relacionada con Falange , su historia o sus símbolos . Ciertamente la única politización detectada es la genérica anticomunista .
La legión del silencio 1956
DIRECCIÓN: José Antonio Nieves Conde, José María Forqué Con Jorge Mistral, Nani Fernández, Rubén Rojo, Félix Dafauce,
Un disidente político que huye de una redada sustituye sus documentos por los de un sacerdote que muere en el autobús en el que viaja. Curiosa colaboración de dos directores excelentes y dispares como Nieves Conde y Forqué.
Según el testimonio de Nieves Conde, él se hizo cargo de la escena de la huida y de rodar los dos finales alternativos. Forqué le contó a Pascual Cebollada que salvo algunas conversaciones previas sobre el guión, trabajaron de modo absolutamente independiente, en dos unidades diferentes, debido a la agenda de compromisos de Jorge Mistral. En cualquier caso una película notable en la línea de El canto del gallo , 1955 de Rafael Gil, con Francisco Rabal y una temática similar .
El canto del gallo 1955
DIRECCIÓN: Rafel Gil Con Francisco Rabal, Jacqueline Pierreux, Gerard Tichy, Félix de Pomés, Asuncion Balaguer,
El padre Müller vive en un país comunista en el que están siendo asesinados todos los religiosos. El joven sacerdote empieza a comprender qué es el miedo y la soledad e intenta escapar negando su condición religiosa. La influencia de El fugitivo, 1947 de John Ford, con Henry Fonda es clara en esta notable película anticomunista con fondo religioso.
La encrucijada 1960
DIRECCIÓN: Alfonso Balcázar .Con Jean Claude Pascal, Analía Gadé, Jaime Avellán, Antonio Casas
En los Pirineos, durante la guerra civil española, Mario y Sandra, un matrimonio que quiere cruzar la frontera, solicitan la ayuda de Javier, un guía que se dedica a pasar a Francia a todo el que puede pagar sus servicios. El día antes de emprender la marcha, se une al grupo un sacerdote, cuya identidad permanece ignorada por todos. Durante la travesía, el guía y Sandra se enamoran y ambos deciden huir juntos cuando hayan cruzado la frontera. Argumento sin duda interesante para una película extraña en la filmografía de Balcázar , muy comprensiva con el bando derrotado en la guerra civil y con una espléndida y atractiva Analía Gadé enamorando a la cámara .
Y eligió el infierno, 1957
DIRECCIÓN: César Fernández Ardavín con Sabine Bethmann, Conrado San Martín, Gérard Tichy, Julia Martínez,
En lo más profundo de la Alemania Oriental, un grupo de hombres trabaja ardua y clandestinamente para hacer libres a todos aquellos perseguidos por el comunismo, ayudándoles a pasar la frontera. La caligrafía notable de Ardavín (El Lazarillo de Tormes , Cerca de la ciudad , La Celestina, No matarás ) da vigor a una historia de espionaje que perfectamente podría haber sido rodada en Hollywood ( Correo diplomático, de Hathaway, con Tyone Power , Fugitivos del terror rojo, de Elia Kazan, Decisión a medianoche, de Nunnally Johnson, Callejón sangriento, de Wellmann, con John Wayne ….)
Rapsodia de sangre, 1957
DIRECCIÓN: Antonio Isasi Isasmendi Con Vicente Parra, María Rosa Salgado, Albert Hehn, Lída Baarová, Tomás Blanco, Luis Induni, Arturo Fernández
Andrés Pulac, un joven pianista, se niega a interpretar un concierto en honor de una alto dirigente soviético, como muestra de rebeldía ante la invasión Hungría (1956). Su negativa, aunque él no lo sabe, perjudica a los organizadores de una manifestación contra la crueldad comunista.
Bien rodada por Isasi, futuro gran especialista del cine de acción . En el heterogéneo reparto encontramos a Arturo Fernandez , Vicente Parra – entonces galán de moda – y a la actriz checa y estrella del cine alemán de los años treinta Lida Baarova , durante dos años presunta amante del ministro de Propaganda nazi Joseph Goebbels.
Trigo limpio, 1962
DIRECCIÓN: Ignacio F. Iquino Con Núria Espert, Víctor Valverde, Fernando León, Ismael Merlo, Lina Canalejas,
En plena Guerra Civil, la vida de Lucía cambia de rumbo cuando un cacique fusila a toda su familia por ser creyente. El capitán del pelotón decide no matar a la chica si reniega de su religión. Al negarse, la envían a un prostíbulo del ejército, donde un joven soldado intentará salvarla. El drama de Juan G. Basté «Multiplicando por cero«, estrenado en el teatro de la Comedia de Madrid en enero de 1957 por la compañía de Alberto Closas, sirve de argumento a Trigo limpio. Buena realización de Iquino con argumento atrevido para la fecha de su estreno.
Lo que nunca muere 1954
DIRECCIÓN: Julio Salvador Con Conrado San Martín, Vera Silenti, Marion Mitchell, Gerard Tichy, Jose Marco Davó, Mercedes de la Aldea
Al finalizar la Guerra Civil, un militar entra a formar parte de los servicios de información. En su nuevo cometido debe neutralizar a los agentes soviéticos que pretenden realizar un sabotaje. Adaptación de un famoso serial radiofónico de Guillermo Sautier Casaseca. Melodrama y suspense para lucimiento de Conrado San Martín, entonces en la cresta de la ola del cine de acción español.
Rostro al mar 1951
DIRECCIÓN: Carlos Serrano de Osma Con Eulalia Montero, Carlo Tamberlani, Antonio Bofarull, Juan Manuel Soriano, Camino Garrigó,
Terminada la Guerra Civil española, Alberto e Isabel se dirigen a la frontera francesa. Pero antes de alcanzar su objetivo deben detenerse porque la mujer está a punto de dar a luz. Alberto decide marcharse de todas formas para no poner en peligro la vida de su familia. Melodrama en estado puro del gran director de Embrujo 1948 y la magnífica y poco conocida La Sirena negra , 1947 adaptación de una novela de Emilia Pardo Bazán, Fernando Fernán Gómez, Isabel de Pomés, José María Lado, Graciela Crespo
Persecución en Madrid 1952
DIRECCIÓN: Enrique Gómez Con Manuel Monroy, Isabel de Castro, Manolo Morán, Silvia Morgan,
Stephan, polaco, llega a España con una carta de un amigo fallecido en el campo de prisioneros en el que ambos estaban internados. Aventuras, espías, acción, un estilo de serie B americana que se deja ver con agrado.
Los ases buscan la paz 1954
DIRECCIÓN: Arturo Ruiz-Castillo Con Ladislao Kubala, Irán Eory, Mariano Asquerino, Antonio Ozores, José Guardiola, Carolina Giménez, Mari Paz Molinero, José Sepúlveda, Gerard Tichy,
Historia de Ladislao Kubala, el mitico futbolista del Barcelona que llegó a ser Seleccionador de España . El héroe recuerda su carrera como futbolista de éxito en Hungría, hasta que un día recibe unas misteriosas instrucciones que no sigue y es apartado del equipo nacional. Decide entonces huir clandestinamente del país. Curiosa y con el aliciente de su protagonista.
Murió hace quince años 1954
DIRECCIÓN: Rafael Gil Con Francisco Rabal, Rafael Rivelles, Lyla Rocco, Gerard Tichy, Carmen Rodríguez, Ricardo Calvo, Fernando Sancho, Maria Piazzai, Félix de Pomés .- Sin duda la mejor de la serie y la de mayo éxito popular . Una producción ASPA de Vicente Escriva y Rafael Gil que adapta una novela de Gimenez Arnau y logra un auténtico clásico del cine español. El protagonista es uno de los cinco mil niños llevados a Rusia durante la guerra civil Educado en el comunismo y preparado para actuar como agitador internacional, trabaja en Francia y en Italia. Un día le confían una delicada misión: colaborar en el asesinato de su propio padre. Antológico el duelo interpretativo de Paco Rabal y Rafael Rivelles. Tal vez la mejor película del ciclo de cine anticomunista al profundizar en el retrato psicológico de los dos protagonistas sin merma del suspense y la acción.
En un tono costumbrista, la historia de una calle de Madrid a lo largo del siglo destaca la espléndida Mi calle 1960, la ultima película del gran Edgar Neville. Conchita Montes, Susana Campos, Lina Canalejas, Tota Alba, Rafael Alonso, Adolfo Marsillach, Ángel Álvarez, Mariano Azaña, Rafael Bardem , Angel del Pozo, Jorge Rigaud, Roberto Camardiel , componen el brillante reparto coral en el que brilla una vez más con luz propia la maravillosa Conchita Montes . La película desenvuelve su acción entre los acontecimientos históricos de ese primer medio siglo en España , de la coronación y boda de Alfonso XIII la “belle époque”, la víspera de la Gran Guerra, la Dictadura de Primo de Rivera, la caída de la monarquía, la llegada de la Republica, la Guerra Civil, el hambre de la postguerra . Una obra maestra que tiene en la descripción del horror vivido en el Madrid rojo ( chekas, Brigadas del amanecer ) sus momentos más dramáticos.
Tierra de todos (Antonio Isasi Isasmendi, 1961) con Manuel Gallardo, Fernando Cebrián, Montserrat Julió, Amparo Baró recoge cómo dos soldados, uno de cada bando, acaban compartiendo una cabaña en el bosque donde hay una mujer embarazada. Cine de reconciliación con estilo melodramático y magníficas interpretaciones.
Producto tardío de 1971 pero no carente de interés es La montaña rebelde con María Elena Arpón, Tomás Blanco, Gonzalo Cañas, Rafael Hernández, María Mahor, Mari Paz Molinero, José Suárez adaptación de una novela de Juan Antonio Cabezas. Ambientada en 1936 en el inicio de la guerra y con una fuerte carga melodramática, ofrece un vivido retrato de las agrestes tierras asturianas de los vaqueiros de alzada.
Veamos ahora las únicas aportaciones en las que se puede detectar algún matiz algo más fuerte derivado de la idea o la historia falangista.
EMBAJADORES EN EL INFIERNO
Se convirtió en una inesperada piedra de toque para el debate político de 1956 entre Falange y sus adversarios, hasta el punto de que el enfado que la película produce en los ámbitos falangistas motiva que Arrese le dedique varias líneas en su libro e incluso lo considere un problema de gestión considerable . Sobre todo porque el antagonista era el Ejército . De nuevo hay que remitirse a las páginas de EL CINE ESPAÑOL EN LA ERA DE FRANCO ( SND EDITORES ,. 2022 )
El veinticuatro de Junio, desde el balcón de la madrileña sede de Falange en la calle Alcalá, Serrano Suñer arengó a un nutrido grupo de fervorosos falangistas, : «Camaradas: no es hora de discursos. Pero sí de que la Falange dicte en estos momentos su sentencia condenatoria: ¡Rusia es culpable! Culpable de la muerte de José Antonio, nuestro fundador. Y de la muerte de tantos camaradas y tantos soldados caídos en aquella guerra por la agresión del comunismo ruso. El exterminio de Rusia es exigencia de la Historia y del porvenir de Europa
Imprescindible : de Carlos Caballero Jurado : LA DIVISION AZUL: HISTORIA COMPLETA DE LOS VOLUNTARIOS ESPAÑOLES DE HITLER. DE 1941 A LA ACTUALIDAD . La Esfera de los Libros
LOS ÚLTIMOS 50 DE LA DIVISIÓN AZUL ALEJANDRO NOLASCO ASENSIO. SND Editores
DIVISIÓN 250. EL ÚLTIMO TERCIO ESPAÑOL. LA ISLA DEL GURIPA. (MANUEL MAQUEDA LORENZO . SND EDITORES
Carmen Kurtz ( 1911-1999 ) obtuvo el Premio Planeta 1956 por su novela El desconocido , La historia de un regreso inesperado y del esfuerzo de un hombre, combatiente de la División Azul y prisionero durante años en un campo de concentración ruso, por recuperar el pasado y reanudar su vida al lado de su esposa. No es una novela política sino que navega en las profundidades del corazón. Carmen Kurtz en 1972 fue contratada por Televisión Española para escribir los guiones de la serie Las marionetas de Herta Frankel junto a Arthur Kaps; un año después, el guion Violeta en el Oeste obtuvo el Premio Platero en el Festival de Cine de Gijón. En 1975 Carmen Kurtz decidió dedicarse por completo a la literatura infantil . Es una pena que de El desconocido no se realizase una versión cinematográfica .
José María Forqué Galindo (Zaragoza, 8 de marzo de 1923-Madrid, 17 de marzo de 1995). Imprescindible el libro editado por Royal Books y escrito por Pascual Cebollada que va desgranando con comentarios del director, una a una todas las obras de su filmografía.
En 1956 rueda Embajadores en el infierno film basado en una novela de Torcuato Luca de Tena sobre un grupo de soldados de la División Azul con Antonio Vilar- espléndido como de costumbre- Rubén Rojo, Luis Peña, Mario Berriatúa
(Sergio Alegre, “Embajadores en el infierno”, en De Pablo, Santiago (ed.), La historia a través del cine. Europa del Este y la caída del muro. El franquismo, Zarautz, Servicio Editorial de la Universidad del País Vasco, 2000,
Un grupo de oficiales y soldados españoles pertenecientes a la División Azul son capturados después de una batalla e internados en un campo de concentración en la Unión Soviética en 1943. Sufrirán todo tipo de privaciones, y la presión de las autoridades soviéticas para que renuncien a sus ideales.
Luca de Tena se basó en un hecho real : el encarcelamiento de doce años, desde su detención en el sitio de Leningrado el diez de Febrero de 1943 hasta Abril de 1954, en los campos de de Teodoro Palacios Cueto, voluntario falangista en la División Azul, capitán de Infantería y que fue hecho prisionero, junto con treinta y cinco hombres más, cerca de Krasny Bor, Cuando muere Stalin se abre la puerta de la libertad y en 1954 un buque, el Semiramis, parte de Odesa con los presos españoles. El barco llega al puerto de Barcelona el dos de Abril de ese año de 1954. Esa es la situación que describe la película con escenas duras en el infierno del Gulag y un apoteósico desenlace con la llegada de los liberados a España.
La película alcanzó una gran notoriedad no exenta de polémica ya que a la altura de su estreno desde algunos sectores no se veía con ojos óptimos un relato sobre la División Azul. Forque le cuenta a Cebollada en su biografía mencionada que la primera opción para dirigir el proyecto había sido Jose Luis Saenz de Heredia, pero finalmente llegó a sus manos, seguramente porque Heredia, muy cercano a Falange avistó los problemas que podrían acontecer por el tono de la obra. Tambien se relata el pase privado previo al estreno para Agustin Muñoz Grandes, ministro del Ejército y primer jefe de la Division Azul, Jose Luis Arrese, ministro secretario general del movimiento, y Gabriel Arias Salgado, ministro del que dependía la censura. Se autorizó con una frase de presentación al principio, y unos planos en los que en la camisa de algunos prisioneros se distinguía el yugo y flechas de la Falange
El estreno el 17 de septiembre de 1956 en el Palacio de la Música de Madrid, vino precedido de una gran campaña publicitaria en todos los medios de comunicación y con un gran éxito de crítica Es cierto que la prensa falangista, Arriba, Solidaridad Nacional y el semanario cinematográfico Primer Plano hicieron notar como reproche la imagen velada de la División al omitir casi completamente cualquier referencia al origen falangista. . Árrese anota en sus recuerdos la misma queja y comentario.
Forqué le contó a Pascual Cebollada:
Luego durante un tiempo breve estuvo prohibida. Lo cual era coherente si tenemos en cuenta quién la prohibió ya que pasó de ser una película de exaltación de un partido a ser un poco una exaltación de los militares. Más de una bandera nacional que de una bandera de partido. La vieron unos ministros en una sala del NO-DO: el Ministro de la Falange, Arrese; el del Ejército, Muñoz Grandes; y el de Información y Turismo, Arias. Estábamos en la sala de pruebas, Eduardo Lafuente, que era el director de producción, y yo, que nos colamos un poco. Vieron la película. Al terminar estaban muy conmovidos. La película tenía, en aquel entonces, un gran poder emocional porque correspondía a hechos inmediatos, vividos por todos y un ministro dijo: «La cabronada es que la película es buena». Me acuerdo de la frase porque en cierto modo me halagó.
La película es sin duda notable, y tras sus vicisitudes cosechó un gran éxito popular con un gran Antonio Vilar en el personaje protagonista. Pero en efecto, la huella falangista, indudable históricamente en la División Azul, aparece menos que tenue, casi desvanecida en las imágenes de la obra de Forqué .
EL MUNDO SIGUE . ZUNZUNEGUI
Una de las joyas ocultas del cine español – solo reivindicada en fecha reciente y convertida en obra de culto – La novela fue reeditada en editorial El Paseo, un sello joven que posee en su catálogo obras de clásicos como Pessoa, Lovecraft y Conan Doyle.
Fernán Gómez , director de la magnífica versión cinematográfica reconoció con nobleza e incorrección política : «Juan Antonio Zunzunegui, como todo el mundo sabe, era un autor falangista, pero considero que es el hombre que mejor ha llevado a la narrativa el enorme fracaso político de la posguerra española».
«Por más que sea la novela de un autor muy asimilado por el régimen franquista, el discurso crítico y las secuencias más demoledoras de la película están contenidos en la novela; el guión de la película es muy fiel a la novela«,
Zunzunegui ( 1900-1982 ) tuvo como maestro a Unamuno, con quien aprendió lingüística castellana y se introdujo en la literatura portuguesa a través de autores como Castelo Branco o Eça de Queiroz. Posteriormente amplía sus estudios a la lengua y literatura francesa, en Tours, e italiana, en Perugia. En 1926 publica Vida y Paisaje de Bilbao, iniciando así la serie «Cuentos y Patrañas de mi Ría«, que completará con Tres en uno… (1935), El hombre que iba para estatua (1941) y Dos hombres y dos mujeres en medio (1944), llevado al cine en 1976 por Rafael Gil. Asistió de forma esporádica a algunas de las tertulias de José Antonio Durante la guerra fue uno de los colaboradores asiduos de Vértice (Revista Nacional de la Falange Española Tradicionalista y de las JONS)
En 1943 ¡Ay…estos hijos! le vale el premio «Fastenrath» de la Academia; le sigue El barco de la Muerte (1945); La Quiebra, abriendo un ciclo que continuará con Ramón o la vida baldía y Beatriz o la vida apasionada. En 1948 obtiene el Premio Nacional de Literatura por La úlcera. En 1957 sucede a Pío Baroja en el sillón de la Academia de la Lengua, participando desde entonces en la Comisión que elabora el Diccionario.
Juan Manuel de Prada le dedicó un magnífico artículo
https://www.abc.es/cultura/cultural/abci-zun-zu-ne-gui-201603021957_noticia.html
para que el lector pueda resarcirlo mínimamente del oprobio que los envidiosos le arrojaron en vida, tachándolo de gafe e imponiendo la sórdida y malévola costumbre de silenciar su apellido, que era sustituido por un piojoso Zeta Zeta. No se sabe a ciencia cierta quién colgó sobre Zunzunegui este sambenito ( Gregorio Morán se lo atribuye a Cela , tal vez porque a Cela se le atribuyen todas las fechorías; e Ignacio Soldevilla apunta, creemos que con mayor tino, a César Gónzalez-Ruano ); pero no nos cabe duda que fue una malignidad dictada por la envidia.
Porque Zunzunegui fue un novelista excepcional . Superior, desde luego, a sus coetáneos Sender o Max Aub; y superior también a los narradores de la generación que le sucedió, incluyendo a Cela y Delibes . Seguramente Cela o Delibes tuviesen una técnica más depurada y un olfato más desarrollado para captar las preferencias estéticas del momento; seguramente completaron obras más pulidas, menos desiguales y entremezcladas de ganga que las de Zunzunegui, pero en densidad humana, en intuición y brío narrativo , en alegría de contar, Zunzunegui es un novelista que sólo admite parangón con Baroja .
En El cine español en la era de Franco conté las vicisitudes de la película y su extraordinaria calidad cinematográfica.
Eloisa (Lina Canalejas) y Luisita (Gemma Cuervo) son las dos hijas de una familia modesta del barrio de Maravillas de Madrid (actuales Malasaña y Chueca), La primera está casada con Faustino (Fernando Fernán Gómez), el cual sobrevive de camarero y rellena quinielas soñando con salir de la miseria y ocupándose muy poco de su familia. Las dos hermanas se ven empujadas a utilizar su belleza para salir de la precariedad, cada una de una forma diferente, incluso peleándose entre ellas. El retrato de todos los pesonajes es de una verosimilitud pasmosa, la cámara se convierte en testigo de pasiones humanas, miserias, esperanzas fallidas, vidas que se desvanecen en la mediocridad.
El permiso de rodaje lo obtiene tras varias vicisitudes y solo tras acceder Fraga al Ministerio de informacion y turismo y García Escudero a la dirección general de cine. El rodaje se desarrolla sin mayores problemas. El revés se lo lleva al presentarse a la Junta de Calificación: le otorgan la pésima valoración de C lo que suele conllevar dificultades de distribución y financiación.
Se estrena casi en secreto en una sesión doble en el cine Buenos Aires de Bilbao, por la distribuidora Nueva Films. Luego siguieron algunas provincias más pero el resultado fue una catástrofe económica ya que el proyecto había partido del propio Fernan Gómez como productor.
El estilo de esta obra maestra descarnada y afilada se resume en algunas de sus frases:
Luisita: “Casarse en España solo se hace una vez. No es como en Hollywood”.
Rodolfo: “Estas hermanas mías están tocadas por el demonio. ¿Y esto pretende ser una familia cristiana?”
Eloisa: “Asqueroso. Solo cuando otros hombres me desean es cuando vienes”.
Faustino: “Cálmate, que no sirves para hembra brava”.
Agapito: “Todo lo tolero menos una hija así”.
Luisita: “Te carcome la envidia”.
Doña Elo: “Este padre tuyo tiene la mano muy larga”.
Faustino: “Tú lo que quieres es que vuelva por tu orgullo de hembra pateada”.
Eloisa: “¡Cobarde! ¿Que no eres hombres ni eres nada!”
El proyecto tardo en encontrar luz verde y no lo hizo hasta le llegada al Ministerio de Fraga y a la Direccion General de cine de Garcia Escudero. Pero la razón final de la baja calificación de la obra por la Administración no fue política ni moral, simplemente porque a los censores no les gustó, era “ feísta” y creían que estaba mal rodada .Dios les conservara la vista.
Cirlot. El señor de la guerra
Juan Eduardo Cirlot, autor de un imprescindible Diccionario de símbolos (1954), de quien el pintor Modest Cuixart decía que ser ‘falangista ortodoxo’ no le había impedido entrar en el surrealismo y el postsurrealismo y analizarlos a fondo, “porque era una mente privilegiada”. En 1950, escribió una novela que ha permanecido inédita hasta hoy, Nebiros (Siruela), año del centenario de su nacimiento. La censura tachó una de cada diez de sus páginas.
https://www.coolt.com/artes/cirlot-padre-informalista_152_102.html
Antonio Saura, Rafael Canogar, Antoni Tàpies y Modest Cuixart, formaron parte de sus círculos de amistades en Madrid y Barcelona
Juan Eduardo Cirlot nació el 9 de abril de 1916 en el número 2 de la calle Gerona, en Barcelona, hijo de un militar de una larga tradición familiar castrense. Falleció en 1973 a los 56 años, en plena producción.
La relación de Cirlot con el fascismo adquiere matices bajo el prisma del esoterismo del siglo XX, que también enturbió las figuras de otros exponentes importantes como René Guenon, Julius Evola o Mircea Eliade.
“Defiendo el arte abstracto por su nihilismo. Es decir, más que estar fuera de la realidad, a mi juicio desprecia la imagen de la realidad actual; por esto le doy mi adhesión”, afirmaba.
Empieza pues en los años cuarenta una labor como teórico del arte que pasa por diversas etapas. En 1945 el poeta se acerca a la vanguardia madrileña a través del postismo y su amistad con Carlos Edmundo de Ory, Eduardo Chicharro y Silvano Sernesi, pero siente que no acaba de encajar. También termina por ser el séptimo y el raro del colectivo barcelonés Dau al Set unos tres años más tarde, convirtiéndose casi en la cara opuesta del poeta Joan Brossa, que jugaba a divertirse con el catalán frente al dramático castellano de Cirlot
Falangista en su juventud, conservador en su madurez y relativamente poco interesado en la cultura catalana, suscitó el desdén final de los ambientes más catalanistas (Cirici, Prats) que le marginaron progresivamente desde los años 50, aunque siempre fue valorado por el público y muchos artistas e intelectuales. Miró y Cirlot, sin embargo, mantuvieron una cordial relación
http://consentidoscomunes.blogspot.com/2012/05/el-senor-de-la-guerra-en-juan-eduardo.html
El señor de la guerra 1966 , maravillosa obra maestra de Franklin J. Shaffner pudo rodarse gracias al apoyo de su protagonista , el mítico Charlton Heston ( 1923-2008 ) . que logra una de sus majestuosas interpretaciones ( a la altura de Los Diez Mandamientos –Moisés , Ben Hur o El Cid ), RoseMary Forsythe,( 1943- ) bellísima se trasfigurara para Cirlot en Daena iránica, en Shekina, en Ofelia y en doncella celta de su poesía . Musa de poesía y belleza.
En 1966 se estrenó en Barcelona la película cinematográfica El señor de la guerra, dirigida por Franklin Schaffner, basada en el drama The Lovers, de Leslie Stevens (Universal), protagonizada por Rosemary Forsyth, Charlton Heston, Guy Stockwell, etc. La obra ofrecía un verismo escrupuloso en la reconstrucción arqueológica del siglo Xi y un argumento particularmente interesante, original, cargado de símbolos y evidentemente fundamentado en leyendas célticas. La acción acontecía en Brabante, donde los normandos habían de proteger a la población celta contra los ataques frisios. La casa productora tenía conciencia de haber creado una obra que se apartaba de lo usual, pues en su prospecto de propaganda dice: «El señor de la guerra… es una de las películas más singulares de la historia del cine. Tiene grandiosidad, un tema muy humano y acción vigorosa y rápida. Sin embargo no se la puede clasificar como un drama de acción, porque esencialmente es la historia de un amor tan profundo… que crea un ambiente de misticismo raramente visto en pantalla». Misticismo heterodoxo, ciertamente, o, mejor, tradicional, relacionado con pervivencias de pagansimo, con la ideología céltica y con la concepción del amor-pasión tal y como cristalizó en la leyenda de Tristán, comentada por Denis de Rougemont en l’Amour et l’Occident. Las pervivencias del paganismo en el siglo XI no pueden extrañar, ya que han sido reconocidas por los historiadores. Desde Grecia a Escandinavia e Irlanda, en pleno periodo románico, , se honraban las fuentes milagrosas, arroyos y pozos. En 802, Carlomagno se quejaba de que en su tiempo se venerasen árboles, rocas y fuentes y se interrogase a hechiceros y adivinos.
Cirlot vió El señor de la guerra en 1966 y, como el caballero normando Chrysagon, el personaje protagonizado por Charlton Heston, quedó fascinado y enamorado en su torre solitaria ante la aparición de Bronwyn, Rosemary Forsyth. Y desde ese año dedicará todos sus poemas a esa aparición de la dama emergiendo entre flores de las aguas del lago: dieciseis libros de poemas entre 1967 y 1971 con el título de Bronwyn.
A la que renace de las aguas
Las huellas de tus dedos
no se ven en las torres.
Pero yo leo sin descanso, en la soledad de la ermita junto
al mar
los antiguos signos en donde tú estuviste hacia el año mil,
por los bosques, los pantanos, las ramas y las hojas, la arcilla
pisada.*
Bronwyn, mi corazón,
Si nunca has existido, eres posible
porque la realidad es muerte viva.
Bronwyn, mi corazón,
tócame con tu nada y con tu nunca.
Años después el polémico músico y artista Fernando Márquez (El zurdo ) rebelde, contradictorio e iconoclasta ( que escandalizó a la “ movida madrileña “ por un” spot “ puntual de apoyo a Falange en 1986 ) lanzó el llamado proyecto Bronwyn , un disco irrepetible en verdad : https://lafonoteca.net/grupo/proyecto-bronwyn/
Rafael Sanchez Mazas . La vida nueva de Pedrito Andia .
Esta novela, publicada en 1951, es ya una obra clásica de la literatura en castellano de este siglo. Narra unos meses de la vida de un adolescente en el País Vasco durante el verano y el otoño de 1923. La trama se desarrolla en los ambientes acomodados de Bilbao y en las propiedades de la familia del protagonista en Andía, con las secuelas de las luchas decimonónicas entre carlistas y liberales, el contraste entre las costumbres urbanas y las rurales, la influencia del catolicismo y, siempre, la naturaleza el el fondo de cada capítulo. Sánchez Mazas se centra sobre todo en las clases altas de Neguri y Las Arenas.
El protagonista narra en primera persona lo acaecido en unos meses decisivos durante su adolescencia. La complejidad psicológica de esta etapa queda magníficamente expresada. También acierta el autor en la caracterización de los principales personajes que conviven con el narrador adolescente. Los ideales del protagonista, de fe, amor, pureza, heroísmo, de gusto por los clásicos…, añaden a la novela unos valores y una grandeza románticos,
La vida nueva de Pedrito Andia, de Rafael Gil.
La vida nueva de Pedrito de Andía es una película dirigida por Rafael Gil con Joselito, Karin Mossberg, Carmen Bernardos, Elena Duque, Lucía Prado
La vida nueva de Pedrito Andia 1965 con Joselito es una magnífica obra que adapta a Rafael Sanchez Mazas y logra unas imágenes llenas de vida y colorido, por más que Joselito tal vez no fuera el intèrprete idóneo ( eso si, logro que se vendiera a todo el mundo la película a veces estrenada con títulos equivocos : Joselito se enamora, El pequeño andaluz ) Maravillosa la escena en la que el protagonista que ha de cumplir una promesa se encuentra en las escalinatas de la Basílica de Begoña ( en la entrada del antiguo cementerio de Mallona ) que ha de subir descalzo y se encuentra nada menos que a Miguel de Unamuno . Merece la pena rememorar esta secuencia , una de las mas hermosas del cine español :
«¿Entiendes aquellos versos?», le pregunta el pensador señalando el dintel del cementerio. Y vean hasta dónde llega la culturilla del chaval que le responde: «Sí, señor. Los he leído muchas veces. Creo que me los sé de memoria: Aunque estamos en polvo convenidos, Señor en ti nuestra esperanza fía …’». La frase es completada por don Miguel: «…Que volveremos a vivir vestidos de la carne y de la piel que nos cubrieron. Bien muchacho, ¿y crees tú en eso?». «Sí, creo», le contesta Joselito en clara afirmación de fe. Unamuno entonces le da una palmada en el hombro y le añade mientras baja las escaleras: «¡Ay, Señor! Así es. Asií es!
Gil había aceptado filmarla porque Cesareo Gonzalez le comento un dia : he ganado mucho dinero con Joselito, quiero ahora hacer una ultima película de prestigio . Y desde luego lo consiguió aunque la crítica del momento no lo supiera reconocer . La vida nueva de Pedrito Andia , capta el estilo de Sanchez Mazas, las imágenes de paisajes y costumbres vascas rezuman autenticidad y todo en la película es un festin visual para el espectador. De la mano de Sánchez Mazas – y Rafael Gil – vamos recorriendo el camino desde la infancia del niño hasta su adolescencia, descubriendo en un verano, el verano de 1923, el amor y el dolor sin cambiar apenas de escenario; el veraneo con su familia cerca de Bilbao; de Las Arenas a Andía . Despertar de la juventud, una nueva vida teñida de esperanza y aprendizaje. Una magnífica película .
Agustin de Foxa. El Litri y su sombra. Rafael Gil.1959.
La película parte de una idea de Agustín de Foxá para evocar las realidades de la dinastía taurina de Huelva . Biografia del famoso torero Miguel Báez Spuny con la historia de la famosa dinastía a la que perteneció. Su abuelo, su padre, su hermano y su hijo fueron toreros aunque su fama superó a la de todos ellos. La historia recoge sus primeros pasos como novillero hasta que alcanza la fama y el reconocimiento popular y va describiendo las complejas relaciones familiares con el mundo del toro como núcleo principal: valor, sangre , peligro y arena en cada tarde , en cada lance, en cada toro .
El Reparto incluye a Miguel Baez Spuny Litri, Ismael Merlo, Katia Loritz, Pilar Cansino, Manuel Morán, José Isbert, Licia Calderón, Angeles Hortelano, José Rubio, Jorge Vico, Roberto Rey, Rafael Bardem, Miguel Angel Rodríguez, Rosina Mendia, Morenito de Talavera (hijo), Luisita Hernán,
Otra obra de Agustín de Foxá fue adaptada al cine : Venta de Vargas (Enrique Cahen Salaberry, 1958) .Venta de Vargas es una combinación de película folkórica y de aventuras, protagonizada por Lola Flores y Rubén Rojo. En 1808 el pueblo andaluz quiere evitar la invasión de tropas de Napoleón. Con este propósito, una bailaora conspira valientemente y origina un peligroso triángulo amoroso
Pero la de Rafael Gil es muy superior. El Litri y su sombra ( poético título ) que evoca la mítica dinastía taurina . La película se inicia con Miguel Báez Litri, interpretado por Rafael Bardem. Pasa por la tragedia de su hijo Manuel, que encarna José Rubio, que sufre una grave cornada en la plaza de Málaga el 11 de febrero de 1926 y tras sufrir la amputación de la pierna por gangrena, muere seis días después.
El verdadero protagonista de la cinta fue el propio diestro Miguel Báez Espuny, que nació en Gandía (Valencia) el 5 de octubre de 1930. Se cortó la coleta antes de su boda con Concha Spínola.
El Litri y su sombra posee un tono elegíaco de gran valor poético y carga expresiva. Los “ flash back “ se integran de forma perfecta en la historia y simbolizan la fuerte unión de tres generaciones de toreros. Magnífica la presencia como siempre de Manolo Morán, Jose Isbert e Ismael Merlo y bellísima y fascinante Katia Loritz, protagonista femenina.
Fue además el primer encuentro entre Gil y Jose Fernandez Aguayo que a partir de entonces se encargaría de la dirección de fotografía de muchas de sus películas. El propio operador contó el encuentro en el cuaderno: Jose Fernandez Aguayo, director de fotografía de Pascual Cebollada ( Festival de cine de Santander 1992 ) : Mi primera película con Gil fue El Litri y su sombra 1959 , aunque mi nombre no figura en los créditos , sino Michel Kelber que fue quien la empezó . Como las cosas de toos no se le daban bien Gil me llevó para que la terminara y estuve cinco o seis semanas haciendo interiores, cosas de plazas de toros “. Aguayo había sido torero en su juventud
Es increíble y triste que una novela como Madrid de corte a checa, escrita en 1937 y publicada en 1938 no haya sido nunca llevada al cine Nos quedan – eso sí – sus numerosas ediciones a lo largo de los años.
La ciudad perdida. Película basada en la novela de Mercedes Formica.
https://www.larazon.es/memoria-e-historia/20210308/nlh5cnicybduznbvfy46nadhoa.html
Mercedes Formica (1913-2002), fue abogada en ejercicio, del Colegio de Madrid, escritora, novelista, y una enamorada de la historia del Imperio español en el siglo XVI. En 1972 publicó la novela histórica “La hija de don Juan de Austria”, con prólogo de Julio Caro Baroja, con la que ganó el Premio Fastenrath de la Real Academia Española en 1975. En 1932 ingresó en la Facultad de Derecho de Sevilla la única mujer en aquella Facultad.
Conoció a Jose Antonio y se afilió al SEU, su sindicato universitario, participando en el Primer Consejo Nacional Enseguida sería designada por José Antonio delegada nacional del SEU femenino y miembro de la Junta Política de Falange
Con el paso del tiempo fue desencantándose de sus ideas de juventud pero se mantuvo en una lucha continua por defender la cultura y los derechos de la mujer.
Mercedes Formica había logrado publicar en ABC, en 1953, ‘El domicilio conyugal’, un artículo demoledor que abriría un debate incómodo sobre el injusto estatus legal de la mujer casada en España. Como la legislación consideraba que la residencia familiar era «del marido», la mujer que fuera maltratada por él y que quisiera separarse, perdía el derecho a la casa. Frente a ello Formica defendió que la vivienda era propiedad de la familia, y que quien debía abandonarla era el cónyuge culpable de la ruptura,
https://www.elnortedecastilla.es/culturas/libros/mercedes-formica-falangista-20190510192437-nt.html
La campaña recibió un gran número de cartas alentadoras de todo el mundo y el apoyo de periódicos de América, Inglaterra, Italia, Dinamarca, Suiza… En ese debate legal se empeñó durante cinco años sin desmayo la abogada Formica hasta que, en 1958, el mismísimo Francisco Franco decidió recibirla en su residencia de El Pardo. Cuando, al regresar a casa, su marido le preguntó por el resultado del encuentro, sólo comentó: «Creo que me ha comprendido», según la evocación que hace de aquel momento en sus imprescindibles memorias. Su marido, dicho sea de paso, era el periodista y poeta Eduardo Llosent Marañón, que había sido editor de la revista ‘Mediodía’ de Sevilla, muy vinculada a la Generación del 27, y que fue director del Museo Nacional de Arte Moderno
El 24 de abril de 1958 se promulgó por fin – con el impulso de Pilar Primo de Rivera y de la Sección Femenina con la que Mercedes siguió colaborando siempre que se lo pidieron – la ley por la que se modificaron 66 artículos del Código Civil y los correspondientes de la Ley de Enjuiciamiento Civil, a lo que se añaden reformas en la Ley de los derechos profesionales de 22 de julio de 1961 y finalmente se completará con la Ley de modificación del Código Civil de 4 de julio de 1970, principalmente en sus artículos 172 y 173, sobre la igualdad de la mujer para el derecho de adopción.
El resultado fue un avance considerable en la igualdad de la mujer para el ejercicio de todas las actividades políticas, profesionales y laborales. Desde entonces la mujer dejaba de ser una persona subordinada a la autoridad del padre o del marido, pudiendo en igualdad de condiciones abrir un negocio, o una cuenta bancaria, y en un maltrato, quedarse en su casa, al considerarla como un bien familiar y no del marido, que al ser el que incumplía el matrimonio por maltrato o adulterio, se veía forzado abandonar la casa.
Mercedes Fórmica falleció en Málaga el 22 de abril de 2002 a los 89 años. En un vergonzoso – y analfabeto – acto, su busto fue retirado de su ciudad natal de Cádiz, por un ayuntamiento regido por el partido de extrema izquierda Podemos. Quedan sus memorias (Visto y vivido , y su recuerdo . El feminismo oficial la ha olvidado, pero la historia no puede borrarse.
La ciudad perdida (Margarita Alexandre y Rafael Torrecilla, 1955)
En el Teatro Musical de Madrid se estrenó una película hoy casi olvidada: La ciudad perdida (Margarita Alexandre y Rafael Torrecilla), adaptación de la novela homónima de Mercedes Fórmica (1951). El film contaba la historia de Rafa, un exiliado español que entra clandestinamente en el país para tomar parte en un ataque organizado por la guerrilla antifranquista. Fracasada la misión a las puertas de Madrid, el protagonista desoye las instrucciones recibidas y se abandona al impulso de recorrer las calles de la ciudad. En La pesadilla roja del General Franco: el discurso anticomunista en el cine español de la dictadura, Carlos Heredero sitúa este filme dentro del grupo de películas de propaganda anticomunista de los años cincuenta pero anota su estilo” noir “ y un cierto discurso reconciliador de las dos Españas. Cosetta Greco, Fausto Tozzi, María Dolores Pradera y el siempre extraordinario Manolo Morán fueron los protagonistas.
La adaptación de La ciudad perdida supuso un curioso ejercicio de simbiosis entre la autora Mercedes Fórmica —primera delegada nacional del SEU femenino e integrante de la Sección Femenina de Falange—, y el dúo formado por la pionera Margarita Alexandre y Rafael Torrecilla, quienes, tras su paso por el cine español durante la década de 1950, se exiliaron en Cuba en 1959 para trabajar al servicio de la recién estrenada Revolución
La ciudad perdida se realizó en régimen de coproducción hispano-italiana al 50% entre Nervión Films (la productora fundada por Alexandre y Torrecilla) y la italiana Pico Films. El título de la versión italiana es Terroristi a Madrid. De acuerdo con las declaraciones realizadas por el jefe de producción José María Ramos a Sofía Morales (1954: 28), La ciudad perdida contó con el comisario de policía, escritor y periodista Comín Colomer como asesor policiaco .
Margarita rodó también La gata , 1956, primera película española en cinemascope con Aurora Bautista, Jorge Mistral, José Nieto, Nani Fernández . Destaca su colorido ( a veces inspirado por el tono salvaje y violento de la magistral Duelo al sol, de King Vidor, con Jennifer Jones ).
Sonia García , profesora de Comunicación Audiovisual en la Universidad Carlos III de Madrid. ha afirmado Margarita Alexandre que
«los del cine empezamos a hacer cosas, muchas veces con libros o ideas de los falangistas, porque pensábamos que, siendo una historia de un falangista, [los censores] iban a ser más benévolos. Era una un poco la idea, oportunista, de encontrar una salida contra la censura»
(M. Alexandre, comunicación personal, 23 de junio de 2014)
Sin duda, una curiosa manifestación .
La paz empieza nunca.
Una de las mejores novelas de Emilio Romero es La paz empieza nunca , se llevó al cine en 1960 por León Klimowsky , con Adolfo Marsillach · Concha Velasco · Carmen de Lirio Jesús Puente , Antonio Casas y Carlos Casaravilla .
un grupo de amigos falangistas sueñan con una revolución que transforme España y se dedican a difundir sus ideas entre la población. Al estallar la guerra, uno de ellos, López (Marsillach), está a punto de morir fusilado, pero salva la vida gracias a un republicano. A continuación, se une al bando nacional. Al terminar la contienda, un viejo camarada lo anima a participar en una operación para acabar con los maquis de Asturias. Aunque ya está casado y tiene hijos, acepta la propuesta; se infiltra entre los guerrilleros y los convence de que les proporcionará armas para seguir luchando
https://www.lagavillaverde.org/Paginas/Centro/Cineyguerrilla/Paginas/lapazempiezanunca.html
La novela de Romero obtuvo el Premio Planeta en 1957 y su visión se realiza desde una óptica falangista ( con la que simpatizaba su siempre inclasificable autor ). La novela es notable dibujando la personalidad de su protagonista en la vida de pueblo, la llegada a la ciudad, la vorágine de la política y la violencia en Madrid para pasar luego a la guerra y al maquis . Romero quiere seguir la estela de la genial Madrid, de corte a checa , de Agustín de Foxa , y no faltan ácidos comentarios sobre la sociedad del momento siempre desde la crítica visión de un falangista ( que ansía algo diferente a una mera restauración conservadora).
Las páginas de la novela no ahorran dureza en las descripciones tanto de la guerra como de las tertulias de posguerra, las penurias económicas, la prostitución o las esperanzas desvanecidas. Se añaden además anotaciones muy interesantes sobre el prisma falangista que claramente obedecen a las posiciones del propio autor de la novela. Desde la consciencia de que la revolución social se está quedando pendiente de verdad ya que la guerra fue ganada por un conjunto de fuerzas dispares, la referencia a la Ley de Sucesión que es votada exclusivamente como apoyo a Franco y ante el temor de una nueva guerra civil, hasta la reflexión práctica de uno de los falangistas que señala la importancia de la evolución: “ No podemos volver a la Falange de 1934 cuando estamos en 1949 “ . Ortega y Gasset lo hubiera llamado estar a la altura de los tiempos.
La adaptación de Klimowsky trató de limar los aspectos más políticos ( pese a que el guión estaba supervisado por el propio escritor ) y tuvo algunos problemas de censura pese a que casi todas las reflexiones sobre la actualidad política o sobre el punto de vista falangista fueron suprimidas . Sea como fuere no obtuvo el éxito previsto Marsillach llegó a lamentar haber participado en una película tan política como ésta con su visión de la guerra, el maquis y con una leyenda final que proclamaba:
La historia de España la estamos haciendo todos los españoles: los que ganamos y los que perdieron nuestra guerra. Y para hacer cosas que dejen en buen lugar a nuestro pueblo, ahora que queremos ir todos hacia arriba, la paz empieza nunca”
Javier Ocaña ( autor de una curiosa , interesante pero con muchos errores- como el capítulo convencional dedicado a Cecil B de Mille : Cosas que no estaban en mi libro de historia del cine – lo malo es que casi todo el libro repite precisamente lo que aparece en las historias convencionales ) en la presentación de la película cuando fue emitida en RTVE apunta una observación cierta : el tono del desenlace es oscuro, sorprendente incluso . El protagonista lamenta su trabajo de espia infiltrado ( No me gusta esto . Yo siempre he ido de frente), y la escena final con Marsillach (espléndida interpretación) abrazando a Conchita Velasco, victima inocente, es desoladora,
La paz empieza nunca se inicia como una película de Cruzada pero con la incorporación de elementos falangistas : las discusiones entre Marsillach y los comunistas ( Si queremos lo mismo, la justicia, por qué peleamos ). Sigue con el estallido de la guerra, las acciones bélicas – con le reiteración de ese anhelo de justicia social y de regeneración- , la victoria , la dura posguerra, la manifestación en 1946 contra el bloqueo decretado contra España . Pero en la segunda parte adquiere elementos de cine negro con el falangista que es reclutado por sus camaradas para infiltrarse en bandas de maquis y prestar así un nuevo servicio a España. La paz empieza nunca para los héroes . La forma en la que Marsillach se gana la confianza de, líder guerrillero Carlos Casaravilla recuerda a Al rojo vivo ( Edmond o Brien infiltrado en la cárcel para espiar a James Cagney ). Suspense, melodrama – el amor perdido – y un tono mas desencantado que llega a su extremo cuando el falangista musita: ojala después del triunfo de esta misión podamos ya abrazarnos en unidad todos los españoles .
La película es desde luego muy notable y Klimowsky logra algunos perfiles ambiguos en el retrato de los personajes ( servidos además por actores extraordinarios ). Adolfo Marsillach interpreta magistralmente el papel de Lopez, ese falangista entre desencantado y fanático que en esa paz nunca conseguida quiere ver la sempiterna esperanza de su revolución pendiente. Julio Pérez Perucha recoge que Franco comento: “ esta bien hecha, pero no me gusta “ . Merece la pena revisarla y por supuesto leer la novela. No hay manera de comprobar la veracidad pero lo cierto es que la influencia de Emilio Romero siguió siendo muy elevada en los años siguientes.
Aunque es de 1964 podemos incluir aquí Un puente sobre el tiempo ( Alféreces provisionales ), de Jose Luis Merino, con Manuel Gil, Susana Canales, Maite Blasco, Julio Peña.Alfredo Mayo, María Mahor, Jose Nieto, Manuel Zarzo, Tomás Blanco. Una película interesante y muy agresiva en su planteamiento y en la que la reconciliación queda en segundo plano. En realidad lo que nos transmite es lo contrario: no se puede olvidar lo que pasó en esa guerra. Un periodista americano pasa unas semanas en España, traba conocimiento con las huellas de esa guerra, muchos parecen haber olvidado, pero entonces vuelven los recuerdos y se cuenta una historia dramática vivida por su familia.
Javier López Cronwell, periodista, hijo de una norteamericana y un español, viene a España para escribir una serie de artículos anticomunistas. El muchacho entra en contacto con el abuelo paterno y los amigos de su padre, muerto en la guerra, quienes le proponen un tema para sus artículos: los alféreces provisionales. El tema reúne doble interés, tanto a nivel profesional como personal, ya que quisiera saber cómo fue su padre y por qué murio
Al final el desfile de la victoria ( con los ya maduros ex combatientes encabezados por Alfredo Mayo ) proclama que todos siguen despiertos por si fuera necesario volver . Curiosamente la película no tuvo demasiado éxito pese a ser una producción Cesáreo González.
Y rareza considerable para su época- 1970 – es La orilla de Luis Lucia, en la que un miliciano de la CNT (interpretado por Julián Mateos, a) se refugia en un convento tras ser herido; allí lo curan y él se enamora de una novicia, la bellísima Dyanik Zurakowska. Cuando ambos escapan del convento, el bando republicano les acribilla.
